El otro día tuve el placer de revisionar el film de Marc Forster, Monster’s Ball, y si bien en un primer visionado (hara años) me pareció una gran película, ahora alcanza cotas de algo extraordinario.

En la línea de la posterior Lost in translation de Sofía Coppola aunque solo en algunos aspectos de la 2ª mitad del film de Forster (salvando las distancias claro), Monster’s Ball nos cuenta una historia dura, sobre unos personajes perfectamente construidos y definidos que viven en la más grande de las míseras humanas. Hank (Billy Bob Thornton) es un funcionario de prisiones que trabaja en el corredor de la muerte, allí también trabaja su hijo (Heath Ledger). El padre de Hank (Peter Boyle) es un ser despreciable, racista, con prejuicios y que con su educación y sus modales ha destrozado la vida de toda esa familia. Ha inculcado el odio a los negros, la falta de respeto a su madre y a las mujeres en general, etc… Su influencia ha sido devastadoramente negativa tanto en Hank como en su nieto. Las consecuencias serán irreversibles. Por otro lado, nos encontramos con Leticia (Halle Berry), cuyo marido está a punto de morir en el corredor de la muerte, y que justamente se encargará de ejecutar el proceso Hank e hijo entre otros, aunque ella no lo sabe. Leticia tiene un hijo, al que la ausencia de su padre le ha sumergido en su mundo en donde solo sabe comer chocolatinas, llegando a un estado de obesidad tremendamente preocupante.

El film en cuestión trata del reencuentro a sí mismos, de la búsqueda de la felicidad, de la amistad, del perdón, de la pena de muerte, del racismo, de los prejuicios, del amor verdadero, de dolor por una pérdida. Y todo eso, hilvanado en un guión perfecto que Forster dirige con sobriedad y con ello hace que el film deje respirar a la historia. A ello también ayuda las actuaciones que son espectaculares.

Se dice que es una película oscura, quizás demasiado. La historia no niego que sea trágica pero a medida que avanzan los minutos nos damos cuenta de que todo va llegando a buen cauce a pesar de las dificultades. La actuación de Billy Bob Thornton es comedida, profunda, inteligente, en definitiva asombrosa y merecedora de oscar, y al nivel de su actuación en El hombre que nunca estuvo allí de los hermanos Coen, incluso mejor. Uno de los mejores actores en la actualidad. Dicho año merecía ser nominado por los 2 films.

Halle Berry está mejor que nunca pero aún así, pienso que otra actriz lo hubiera incluso podido hacer mejor. Pero merece todos los aplausos porque es una increíble actuación también. Ganó en la Berlinale.

Los demás, tanto Boyle como Ledger (sorprendentmente en el caso del último) están fantásticos. Otra cosa que veo acertadísima es el título del film que hace referencia a la última noche de un condenado a muerte. Porque es como una metáfora, los personajes del film están condenados ya sea por sus ideas, por sus actos,… tienen ellos mismos que salir y reencontrarse. Hay personajes que ya no tienen solución, han cogido el camino del mal y no pretender apartarse de él. En cambio otros, que sí quieren, ayudándose mutuamente, a pesar de no tener nada y de haber perdido a todo lo que más querían siguen ahí, luchando aunque solo sea por ellos. Intentándose perdonar por sus errores pasados. La influencia puede hacer mucho daño, y en este film se puede comprobar. El padre de Hank convirtió a éste a una imagen y semejanza de quien realmente quería que fuera, apartándole de su madre y de todo lo que le podía haber inculcado ella.

El perdón y la compasión son elementos claves en la historia. Con ello no quiero decir que sea un film de lágrima fácil o algo así, es totalmente lo contrario, se aparta de ese prototipo y siempre se centra en la historia sin en ningún momento intentar manipular o infravalorar la inteligencia del espectador. Y eso ya dice mucho del film. Para mí, la mejor escena del film es la escena final. Una escena de una inteligencia y una elegancia formidable. Leticia ya sabe lo que le ocultaba Hank, aunque éste no es que se lo ocultara, sencillamente es que no serviría de nada explicárselo porque ya no había vuelta atrás. Ella al enterarse llora y está confusa, al llegar él con los helados y salir al patio a mirar las estrellas, se da cuenta de que lo ha perdido todo, echa un vistazo y ve las tumbas y con eso tb recuerda que él lo ha perdido todo. Entonces reflexiona si merece la pena perder lo único que le queda o pasar de largo y alegrarse de haberle encontrado. Porque en el fondo ambos se están rescatando de su particular infierno. La aceptación de la cuchara de helado de Leticia a Hank es uno de los "Te perdono" más bellos de la historia del cine. Y es que en el fondo, nada merece la pena para caer en el odio o en el rencor. Con ese plano del cielo estrellado acaba este film redondo. Un final sin apenas dialogos, pero sus miradas dicen más que cualquier palabra. Impecable final.

La realización de Forster es impresionante, para ser su primer film en serio, denota tener un control fílmico a la altura de muy pocos. Planos muy bien rodados y teniendo muy en cuenta el encuadre. La fotografía no se queda atrás, vaya joya. Atención a los créditos iniciales, con ese uso tan inteligente de los colores, jugando con la sombra del ventilador de techo, y la sobreexposición de imágenes en movimiento. Además cualquier escena nocturna ya sea dentro de un habitáculo o en un coche, está fotografiada de lujo.

La música no se queda atrás. Nos recuerda al mejor Cliff Martínez de Traffic. Uno ve las imágenes del film con la música de Asche & Spencer, sobretodo el tema Resignation, y no puede obviar que estamos ante algo de cómo mínimo calidad. Sinceramente no entiendo como se la marginó en los oscars con tan solo 2 nominaciones, me parece una de las mejores películas de aquel año y de muchos. Algunos han opinado que es algo lenta, yo creo que no es así. Recordemos que es un film totalmente independiente, hecho con un presupuesto bajísimo, pero con mucha imaginación y un casting de lujo que bajó sus pretensiones económicas mucho. Su duración no es excesiva y el ritmo está bien llevado por tanto no creo que sea muy lenta, eso sí, no es tan rápida como algunas películas de acción lógicamente y tiene un montaje al estilo clásico y que es de agradecer. En fín, Monster’s Ball es una de las películas más inteligentes y bien realizadas que he visto en mucho tiempo. Es un canto a la esperanza desde lo más profundo de las tinieblas, una historia que sobretodo es real y nos hace involucrarnos en ella y en sus personajes y eso es impagable. Cualquier cosa puede hacerte cambiar la vida y puede ocurrir en cualquier momento. En un instante ya no eres el que eras. Eso es Monster’s Ball.

Mel Gibson después de rodar la extraordinaria y ya mítica Braveheart ,muy criticada injustamente por algunos, se propuso llevar a la gran pantalla las últimas horas de Cristo y plasmar todo el sufrimiento del pecado humano que cayó sobre él. Sin duda, es una de las películas más duras que he visto jamás, una autentico sufrimiento de 2 horas que cuesta tremendamente acabar de verla, un caso similar a lo que ocurre con Casualties of War de Brian de Palma. El tono tan sumamente realista y en ocasiones cercano al documentalismo hasta límites exagerados que se le ha querido dar no sé si es un acierto y si en ocasiones es de absoluto mal gusto. Pudo haber sido tal cual, pero ¿es realmente necesario mostrar toda esa violencia tan continuada y tan explícitamente?, más que nada afecta por a quien representa. Sigo pensando que aunque el film tiene momentos de una elegancia superlativa, en otros se opta por la crudeza más devastadora. Adoro la sugerencia, no la imagen explícita.

Aún así, en este segundo visionado ha mejorado mi opinión sobre tan polémico film. En un primer visionado salí bastante enfadado del cine, no por ser una mala película sino por la forma en como está hecha y lo más grave es que me pareció ,y en ocasiones me lo sigue pareciendo, lo más cercano a un espectáculo gore. Reitero, pudo ser así (de hecho lo fue), pero sigo sin entender lo que llevó a Mel Gibson a hacer dicho film así, ya sabemos lo que sufrió Jesús en su camino hacia su crucifixión. Pero bueno, por lo menos la violencia mostrada en el film no es gratuita, ya que históricamente es tremendamente fiel. En una historia así no debe haber lugar para el sadismo y la recreación, aunque la historia fuera así, creo que Gibson ha abusado de ella en algunos momentos sobretodo en las escenas de la flagelación , simplemente insoportable, fuera de lugar y sin ningún tipo de excusa por parte del director (no me vale eso de que quería mostrar todo lo que sufrió jesús ya que otras películas históricas sobre el tema lo narran muy vagamente y eludiendo realismo, no me vale eso). ¿No hubiera sido mejor poner una toma en el suelo y que se oyeran solo los latigazos? Sería una forma de representar el sufrimiento de Cristo, terrible también pero no sádica y mucho más elegante. Supongo que Gibson habrá querido rendir un homenaje a su sacrificio por nuestra redención. Lo que no hay duda es que La pasión de Cristo es una película tremendamente valiente.

El film técnicamente es perfecto, eso está clarísimo. La fotografía de Caleb Deschanel es una maravilla, y junto a la de Robert Richardson en The Aviator, la mejor del pasado año sin duda.

Sus referencias caravaggianas, su toque barroco, su gran trabajo con la luz (ver la escena final en donde la luz abre el campo de imagen al espectador o las escenas del campo de los olivos, sublime fotografía nocturna), una autentica joya fotográfica es este film. Sólo por la fotografía ya merece la pena comprarse esta película. Una obra maestra fotográficamente hablando.

El vestuario y el maquillaje son espectaculares, las localizaciones perfectas, la música de John Debney una obra maestra con un uso de la cuerda y las voces corales apasionante. La dirección de Gibson es muy buena, aunque como es costumbre en él, hace un uso abusivo del ralentí, en algunas veces puede estar más o menos justificado y dota de elegancia a la escena pero en otros casos es porque sí. A recalcar que no me gustó pero nada el uso que hace de él durante el inicio del film, usándolo de forma similar a la trilogía Matrix, todo un desacierto y que está totalmente fuera de lugar. La historia que explica solo se puede rodar de forma bastante clásica, para estar acorde. Gran dirección artística.

Todos los flashbacks están extraordinariamente intercalados con la historia principal contada, me encanta la forma que tiene Gibson de explicarnos el mensaje de Cristo de una manera tan sutil.

Sin duda, el flashback más emotivo y conseguido es el de la madre que recuerda cuando en su día fue a recoger a su hijo tras una caída y se repite ahora con su hijo de nuevo caído pero con una cruz a cuestas con ese desgarrador grito de una madre destrozada: “Estoy aquí, estoy aquí”.

Una gran escena y en donde el rostro de Morgenstern nos describe perfectamente la impotencia y el terrible dolor con el que carga su difícil personaje.

El uso del flashback en La pasión es uno de las puntos positivos de la película.

El film está basado en los evangelios y en las memorias de las visiones de una monja. Muy destacable y acertada es también la representación del diablo en el film. Las actuaciones son muy buenas todas, incluídas las de los secundarios. A destacar Jim Caviezel, un excepcional actor y una persona muy religiosa que aceptó el papel encantado, Maia Morgenstern, una gran actriz rumana que aquí nos ofrece un impagable papel como María, el resto (Monica Bellucci, Sergio Rubini, etc... están muy correctos).

Buena dirección de actores y muy buena selección en el casting que en su totalidad es europeo a excepción de Caviezel.

Otro grandísimo punto a favor del film es haberla rodado en su idioma original (arameo y latín), y tener la valentía de estrenar un film en VOS en todo el mundo cuando la gente en su mayoría es recelosa de ver las películas así, cuando es como se deberían ver. La pasión de Cristo, como ya ocurriera en su día con La última tentación de Cristo de Martin Scorsese, ha sido duramente criticada y ha levantado una gran polémica sobre todo en ámbitos religiosos. Ha sido tachada de antisemita (cuando no lo es) y de muchas otras cosas. En mi opinión, creo que el film de Scorsese es más polémico que en este caso.

A parte de todo esto, este film fue un inusitado éxito de taquilla en medio mundo y eso que en un principio nadie quería distribuirla.

La película producida, coescrita y realizada por Gibson finalmente encontró distribuidor en Newmarket, la compañía independiente responsable de títulos de la calidad de Memento o Donnie Darko entre otros, proyectos siempre arriesgados y buen cine. No tan solo se arriesgaron en distribuir un polémico film sino que tuvieran una gran valentía en apostar por una película en VOS, y eso en Estados Unidos es casi equivalente a fracaso.

A diferencia de lo que pensaron, fue un éxito de taquilla, sobretodo porque el film es muy visual y se siguen muy bien los subtítulos.

Creo recordar haber leído que Gibson tenía la intención en un principio de rodar el film en VO sin el uso posterior de subtítulos (si nos fijamos en el montaje final del film tenemos algunos dialogos sin subtitulos y aún así se entiende perfectamente lo que quieren decir), que con la fuerza visual de las poderosas imágenes fuera suficiente. Por supuesto, vio que aquello no se lo distribuiría nadie nunca, optó por los subtítulos. Pero es de admirar la valentía de este director, mucho mejor que actor por cierto.

De La pasión se quedan en mente muchas escenas, algunas por su belleza poética, otras por su emotividad y otras por su terrible realismo y dureza.

Todos los flashback son en mi opinión lo mejor de la cinta, el verdadero mensaje de Cristo, lo que realmente importa. A mi no me importa ver como todo el pecado humano recae sobre un cuerpo destrozado y violentamente golpeado sin cesar, lo interesante del film es sin duda el trasfondo y el mensaje de amor existente entre las personas.

Sublime me parece el inicio con ese dialogo entre Jesús y Satanás, esa lucha entre el bien y el mal, que le acompaña durante el resto de sus horas de vida. Jamás habrá lugar para el odio, el rencor o la venganza.

Os recomiendo el dvd editado por Aurum, que aunque no disponga de extras (en principio se espera en un futuro una edición especial de este film) con una imagen y sonido (tanto dolby digital como DTS) de autentica referencia, formato panorámico con mejora anamórfica y una nitidez increíble. Un máster de alta definición con una tasa de bits altísima, podría pasar perfectamente como una edición SuperBit.

La calificaría como una notable película pero terrible. Una historia con momentos bellos (todos los flashbacks, la escena de la gota digital, la escena de cuando Judas besa a Jesús y al que le dice “Judas, ¿entregas con un beso a el hijo de El Hombre?”, ....) pero otros durísimos. Una película ante todo valiente por su propuesta de presentarla mundialmente en VOS.

Es un film que afecta tremendamente, hace partícipe del sufrimiento de Cristo y ahonda en los sentimientos más puros de los espectadores. Una de las películas que más llega al corazón que haya visto jamás.

Mención especial a la fotografia de Christopher Doyle, simplemente perfecta la atmósfera creada para el film que sin duda es la representación gráfica del estado emocional de los personajes.

Las actuaciones: de altura. Me rindo ante Tadanobu Asano, un maravilloso actor, visto en las estupendas Ichi the killer, Survive Style 5+, Vital, Zatoichi, Café Lumiere, etc.... En este film está soberbio. Por Last life in the universe ganó el premio al mejor actor en el Festival de Venecia al mejor actor.

Los demás actores/trices tb muy bien. A destacar esa aparicíón freak del poster de Ichi the killer, y el yakuza interpretado por Takashi Miike. Muy buena.

Este año la mostra de Venecia nos ofrece una sorprendente (para mal) mezcla de obras, que irán desde una a priori clara calidad elevada a otras obras ya posiblemente infumables viendo sus creadores y sorprendentes que formen parte de un festival internacional de este calibre.

En principio las mejores pueden ser: Goodnight and good luck de Clooney (con un gran debut con la fantástica Confessions of a dangerous minds) rodada en B/N, Brockeback Mountain, lo último del gran Ang Lee con Jake Gyllenhaal de protagonista en una historia totalmente atípica y con una temática que ciertamente no me interesa, pero la quiero ver por su realizador el cual siempre ofrece algo de calidad, The Brothers Grimm: si Gilliam mantiene el altísimo nivel de su excepcional 12 Monkeys, podemos estar ante otra joya surreal suya, The Constant Gardener, lo último de Meirelles director de la obra maestra Ciudad de dios, pinta realmente esta adaptación de Le Carré, con el siempre convincente y excelente actor Ralph Fiennes; Espelho Magico del maestro Oliveira, cuya anterior obra suya (una película hablada) era una joya; Sympathy for Lady Vengeance de Park Chan-Wook cerrará la exquisita y maestrísima trilogía de la venganza formada por las anteriores (y obras maestras) Sympathy for Mr. Vengeance y OldBoy, decir que existirán dos versiones del propio film, una en B/N y otra en color, la proyectada será la copia en B/N, uno de los films más esperados tras OldBoy; Romance & Cigarretes la opera prima de Turturro, que pinta realmente bien.

De las de fuera de competición, interesantes pueden ser Corpse Bride, película animada de Burton y Johnson, el film chino Perhaps Love, Casanova del siempre eficaz Hallström (Chocolat, Quien ama a Gilbert Grape?), Initial D, el regreso tras las cámaras de los creadores de la extraordinaria trilogía hongkonesa de Infernal Affairs, lo último del loco de Takashi Miike y Final Fantasy VII: Advent Children.

Sorprende y mucho que nombres como Ron Howard, Balagueró o Tsui Hark aunque estén fuera de concurso hayan entrado a formar parte del festival, la verdad es que dice muy poco de Venecia que esos proyectos que parecen bastante flojos a priori estén ahí.

Ojalá gane Park Chan-Wook, sería el broche de oro para una trilogía inmejorable e inolvidable. Un premio por realizar 3 clásicos contemporáneos y por su labor de realización tan exageradamente perfecta.

Saludos