Tom Stall (Viggo Mortensen) lleva una vida feliz y tranquila con su mujer abogada y sus dos hijos en la pequeña ciudad de Millbrook (Indiana) hasta que una noche su existencia idílica se ve destrozada cuando frustra un violento intento de robo en su restaurante. Tom percibe el peligro y salva a sus clientes y amigos matando en defensa propia a dos criminales buscados por la justicia. Aplaudido como un héroe, la vida de Tom cambia de la noche a la mañana y de repente se encuentra convertido en el centro de atención de todos los medios de comunicación. Incómodo con esta fama no buscada, intenta volver a su vida normal, pero un hombre amenazante y misterioso llega a la ciudad para enfrentarse a él porque cree que Tom es el hombre con quien tiene una cuenta pendiente del pasado. Mientras Tom y su familia luchan contra este error de identificación e intentan afrontar la transformación de sus vidas, se verán obligados a plantear sus relaciones y los temas que les dividen. Una historia de violencia la defino como una absoluta bofetada de realidad y confirma que David Cronenberg es uno de esos autores dignos de reconocimiento ya. Spider supuso una extraordinaria aproximación al tema de la locura y la esquizofrenia interesantísima, ahora en Una historia de violencia aborda una historia de personajes en busca de la redención, con personalidades desdibujadas, con enfrentamientos entre lo familiar y lo violento, y quizás muchos digan que se aparta más de lo fantástico y se acerca más al género negro, en parte es cierto, pero conserva muchos elementos que la hace una obra muy cronenbergiana sin duda. El film es soberbio en todos los aspectos, en su ritmo (en absoluto crescendo), en su violencia cruda, realista, directa y que supone un acierto mostrarla de esa forma, en las actuaciones, en la madurez de la cinta, en el aroma clásico que desprende, en las references cinéfilas que hay. En fín, un enorme film sobre el entorno familiar y el pasado del cual en ocasiones es tristemente imposible escapar. Sin dudarlo, estamos ante una película maravillosa formalmente y rodada de forma maestra, ver ese excepcional inicio (dificil de ver hoy en día por su inmensa sobriedad), la escena del jardín que es demoledora, la escena de sexo en las escaleras entre Mortensen y Bello es una de esas escenas que se recuerdan en mucho tiempo ya que representa perfectamente como ha cambiado su relación de pareja en los últimos días, en donde la violencia se apodera también del sexo, mostrándonos su lado más agresivo que nos recuerda a films como La pianista de Michael Haneke salvando las distancias (y menos mal jeje), cualquiera de los planos de tiroteos montados de forma perfecta y directa, las escenas con William Hurt que son de lo mejor del film y sin dudarlo ese final, esa forma tan elegante de acabar el film, esto es cine señores y señoras, qué final tan sutil, sublime y absolutamente minimalista. Finales así hacen que uno adoren el cine. Las actuaciones son maravillosas, profundas. Desde Viggo Mortensen que incluso me ha sorprendido, con un papel de un tipo que pasa en instantes de ser sensible y pacífico a alguien totalmente letal e imprevisible. Maria Bello me encanta. Es una actriz de un talento grandioso, una interpretación de una fuerza increíble. Vista en The Cooler donde está maravillosa, también sale en la recién estrenada The Dark. William Hurt tiene uno de esos papeles que a pesar de ser cortos son de una intensidad enorme y está lleno de matices haciendonos creer un personaje muy bien construído por cierto. Ed harris, qué decir de él ya? Es uno de los grandes, y como villano lo borda siempre. Su perfomance (incluído física gracias a un estupendo trabajo de maquillaje) es fabulosa, llegando a inquietar como ya hizo en otros muchos films. En mi opinión como mínimo deberían estar nominados al oscar Maria Bello, Ed Harris y William Hurt, los 3 están cojonudos. A parte claro de la dirección, guión, montaje, efectos sonoros, etc... El film aún siendo en ocasiones algo explicito en mostrar la violencia, es muy sugerente con muchas cosas, por ejemeplo en ese final SPOILERS lleno de miradas, de silencios, de segundas oportunidades, de aceptar a alguien que ya no es quien era, lo que es como si hubiera un extraño en la mesa , se le da para que se sirva pero con ambiente enrarecido. Y es que en el fondo .. Tom (Mortenesen) había dado tanto por su família durante todos esos años que la redención y el perdón se dan en esa mesa en donde de nuevo vuelven a ser una familia aunque solo sea por momentos. Esa mirada final vale oro. Eso es cine de verdad. FIN SPOILERS Una joya que solo apreciarán algunos, ya que estoy segurísimo que muchas personas la calificarán que no es para tanto, o que es muy corta, o que se esperaban más, o que es un rollo... nada de eso señores/as, estamos ante una obra absolutamente rozando la maestría, con una realización de aupa y unos actores y atrices en estado de gracia. Tras Spider y ésta, por favor, nominen a ese puto genio llamado Cronenberg joder XD La violencia está presente en nuestras vidas, de alguna forma u otra, y sobretodo es innato en el ser humano por autentica desgracia. Eso es A history of violence.

Basado en la obra de teatro homónima con el añadido Grönholm, para su traslado al cine lógicamente se necesitaba un gran casting y un excelente director, pero sobretodo un buen director de actores. Sin duda, Marcelo Piñeyro, director de las estupendas Cenizas del paraíso, Plata quemada o Kamchatka, lo es.

A lo largo de un día, los aspirantes pasarán de las bromas y el juego inocente a las agitadas discusiones y las supuestas hipótesis y situaciones, donde se pondrá a prueba la personalidad de cada uno y la manera en que se relacionan con los demás. En este claustrofóbico clima de máxima desconfianza y absoluta falta de escrúpulos, se crearán alianzas, se producirán disputas, se revelarán secretos, se destaparán pasados... Y así, poco a poco, se irán eliminando participantes en lo que pasará a ser una mera y fría lucha por la supervivencia, nítido espejo del desalmado panorama laboral fuera de esas paredes de cristal y hormigón, en cualquier país capitalista partícipe en esta, nuestra economía global. El método, propone un reto psicológico como a la vez actoral, es decir, es una cinta de intriga y suspense digamos psicológico en clave de comedia negra, a parte, es una extraordinaria historia de personajes, en donde los propios personajes actúan para conseguir su objetivo. Las diferentes personalidades en la mesa de los candidatos son dispares, y según las situaciones muy variables, ello hace que el film mantenga la atención del espectador constantemente, el ritmo narrativo está perfectamente llevado y las actuaciones, sin duda fabulosas, ayudan a que nos interesemos por la trama. Personajes que se ven "encerrados" en un juego de pruebas estilo reality show, del cual saldrá el que más picardía y cabeza tenga. Se admiten apuestas ! Eduardo Noriega, el cual ya trabajó con Piñeyro en Plata quemada, lo veo un actor normalito, no es malo pero es algo inexpresivo y en este film no lo hace mal, pero bueno, creo que gente como Eduard Fernandez o Adriana Ozores le dan un repaso. Najwa Nimri está estupenda, en una de sus últimas y mejores actuaciones hasta la fecha. Me encanta la voz de esta actriz. Buena actuación. Eduard Fernández está (como siempre) soberbio, es un actorazo y volverá a estar nominado al goya al mejor secundario. Sin duda, el personaje más carismático y rico de toda la película. Adriana Ozores, otra actriz que pelicula donde está se luce, ver ese cara a cara entre Noriega... fabulosa. Los demás: Alterio, Carmelo Gómez, Pablo Echarri y Verbeke están fantásticos en sus papeles también, incluido Natalia Verbeke que he leido que algunos la criticaban, en mi opinión pasa bastante bien la prueba. En definitiva, El método es una excelente película que nos recuerda por ejemplo a peliculas como 12 hombres sin piedad de Sidney Lumet, por su representación tan acertada de diferentes personalidades tratando una misma situación. Me alegro profundamente que el cine español este año haya levantado el vuelo después del horroroso 2004, y es que este año hay películas muy interesantes en la cinematografía nacional y que merecen un aplauso.

Ahora se ha estrenado su última y a la vez esperada película titulada The secret life of words, aquí llamada La vida secreta de las palabras. De nuevo, rueda en inglés y repite con Sarah Polley. La película nos narra la historia de un lugar aislado en medio del mar: una plataforma petrolífera, donde sólo trabajan hombres, en la que ha ocurrido un accidente. Una mujer (Sarah Polley) enfermera, solitaria y misteriosa que intenta olvidar su pasado, es llevada a la plataforma para que cuide de un hombre (Tim Robbins) que se ha quedado ciego temporalmente. Entre ellos va creciendo una extraña intimidad, un vínculo lleno de secretos, verdades, mentiras, humor y dolor, del que ninguno de los dos va a salir indemne y que cambiará sus vidas para siempre. La vida secreta de las palabras es un film diferente, un regalo a los espectadores, lleno de mensaje, lleno de verdades sobre la vida, que nos cuenta la historia entre 2 personas, ella es alguien que ha sufrido mucho durante toda su vida, ello le ha hecho ser como es, le ha cambiado y la hace misteriosa e introvertida en ocasiones. Él ha sufrido un accidente y mientras es cuidado y curado mantiene una relación de amistad y posterior cariño con ella. El film está rodado fabulosamente, por momentos parece un film totalmente indie como ya pasara con la también extraordinaria Mi vida sin mí, en cambio en otros tiende a una filmación más clásica. Me ha gustado bastante como está rodada. Sarah Polley ofrece otra interpretación llena de matices, profunda, que llega al corazón, una chica extranjera que ha tenido una vida llena de problemas, llena de preocupaciones, ... un papel maravilloso, emotivo y acentuado por el acento dado por la actriz. Me encanta Sarah Polley y sus interpretaciones en Mi vida sin mí, El dulce porvenir de Egoyan o el film comentado aquí !! Tim Robbins pues, qué vamos a decir ya de este actorazo, pues que aquí lo borda de nuevo. Una buena actuación, y remarcable que haya querido bajado su cache con tal de estar en el último film de Coixet. Javier Cámara está como siempre, convincente y totalmente natural. Siempre ha sido un gran actor. Atención a Leonor Watling que sale hacia el final en un cameo, y durante el film sale su voz en el mensaje telefónico del personaje de Sarah Polley. Otra cosa destacable de la cinta son los dialogos llenos de verdades sobre la vida, y llenos de momentos bellos por su simpleza y minimalismo. La BSO tampoco está nada mal. Las peliculas de Isabel Coixet suelen ser bastante directas, suelen tratar temas duros pero con trasfondo esperanzador, sobre cosas de la vida con las que nos podamos identificar, sobre el sufrimiento, sobre el dolor, sobre la amistad, sobre el silencio, cariño, amor, emociones ... Y es que de todo eso habla La vida secreta de las palabras, habla del niño/a que tenemos dentro, habla del sufrimiento que representa el amor verdadero, habla de intentar olvidar/superar el pasado, habla de que no hay barreras, habla de que en un sitio aislado con gente aislada no es incompatible el aprecio, habla de que las mentiras no siempre es algo malo, habla de la melodía del silencio y de todos nosotros sin que nos demos cuenta. Muchas gracias Isabel.

Hoy, una de esas escenas que ya son míticas en la historia del cine. La escena entre un extraordinario Joe Pesci y el gran Ray Liotta en una de las obras maestras de Scorsese: Uno de los nuestros (Goodfellas). Como pasar de un ambiente festivo a uno tenso y lleno de suspense en apenas minuto y medio. Qué grande es Joe Pesci !!

Tommy deVito (TdV) -> Joe Pesci Henry Hill (HH) -> Ray Liotta TdV: Veréis chicos, lo que realmente tuvo gracia fue aquel golpe en el banco de Secaucus. Estaba echado en la hierba, se me acerca uno y me dice: ¿Qué haces? y yo digo: Descansando ¿Descansando aquí? como si estuvieras en la playa o en un parque. ¿Me tomas por gilipollas? ¿Es que no puedo descansar o que? Bueno, pues me trincaron y empezaron a hacerme preguntas, que si esto que si aquello, querían que soltará la lengua a fondo. ¿Qué iba a decirles? No sé nada en absoluto. ¿Hablar yo? Una mierda. El que manda me dice hoy vas a cantar de plano. Yo le digo, está bien, te diré algo: Vete a joder a tu madre. [risas] Luego me cae una lluvía de golpes pim pam pum. Bueno, ya me vistéis en el periódico, tenía la cara hinchada como un globo de verdad. De modo, que cuando recuperé el sentido resulta que me encuentro de nuevo frente a ese cabrón de mierda que me dices: ¿Vas a hablar ahora cabrón?, y le digo: ¿Pero que haces aquí no te dije que fueras a joder a tu madre?. [risas] Creí que me mataba. [risas] Cabrones! me dejaron como un tomate maduro. HH: Increíble, en esos momentos eres gracioso, muy gracioso. TdV: ¿Qué insinuas?... Di. HH: Pues nada, esa historia tiene mucha gracia, eres un tipo gracioso TdV: ¿Porque lo dices? ¿Por la forma en que hablo? uhhh? HH: Sí, claro. Eres gracioso. Me refiero al modo en que cuentas las cosas. TdV: ¿Gracioso por qué? ¿Qué tengo de gracioso? Anthony: Vamos, Tommy, no le interpretes mal TdV: Eh espera Anthony, es mayorcito, sabe lo que dice, contesta,.. ¿Gracioso porqué? HH: Yo.... TdV: ¿Qué...? HH: Yo solo he dicho que eres gracioso TdV: Vamos a ver si lo entiendo, porque quizás estoy algo bebido. Sí, es posible, pero ¿como soy de gracioso? ¿Quizás como un payaso de circo?. Te hago reir, crees que estoy aquí para divertirte. Bueno, ¿porque soy gracioso? ¿qué tengo de gracioso? HH: No sé.... es por como cuentas las cosas ya sabes TdV: No, no, yo no lo sé, lo dices tú. Tú eres el que dices que soy gracioso. ¿Porque demonios soy gracioso? Vamos !! que coño tengo de gracioso eh? Dime !! ¿qué tengo de gracioso? [momento silencioso y tenso] HH: Oye,.. no bromees conmigo, Tommy. TdV: Será cabrón, me ha descubierto, casi se la pego. Habéis visto como tartamudeaba. [risas] ¿A qué estaba temblando? [risas] A veces no sé que pensar de tí Henry, seguro que no aguantarías un interrogatorio [risas] Magistral escena para una de las grandes películas de la historia.

Pues si, por fin Universal se decidió a editar la edición especial de The Fog (La niebla), por esa (para ellos) tierra recóndita y llena de peligros e incultos xD llamada España. Sí si, srs de Universal, aquí también queremos disfrutar de las mejores ediciones en cuanto a calidad y si puede ser en un tiempo razonable,.... no esto. Y por favor, cuiden mejor sus productos por fuera, ya que la portada de esta edición parece hecha... ya no con Photoshop sino casi con Paint. Con la cantidad de portadas guapas de la película y van y me ponen esta, que justamente es la misma que la edición sencilla que ya sacaron pero con el pegote ese en medio diciendo "Edición 2 discos". Hoy en día aquí a todo se llama un buen diseño XD.

Bueno, fuera sermones, hoy toca estar contento (porque menuda edición :O), ya que por fin entra en mi coleccion una pieza de frikismo del Sr. Carpintero digoo Carpenter, una película con regusto ochentero y con toques de serie B de la buena. Pronto comentario peli & dvd en este blog.

En fín,... hoy es Navidad XD.

Esteban Espinosa (Ricardo Darín) es un hombre callado, seco, honrado. Es un taxidermista que gasta sus horas trabajando aislado en su taller, dando apariencia de vida a la materia muerta de sus piezas. Pero, detrás de sus ojos fríos, arde un deseo oculto, una obsesión, una extraña convicción para un hombre honesto: durante los últimos años, una y otra vez ha planeado e imaginado los asaltos más perfectos, exitosos siempre a fuerza de una inteligencia que, según él, lo diferencia de lo que pasa allí afuera, la lucha de “tontos contra tontos”: policías y ladrones. Él podría hacerlo mejor que nadie. Fabián Bielinsky vuelve tras las cámaras después de la excepcional Nueve Reinas, objeto de un reciente remake estadounidense titulado Criminal, y de nuevo cuenta con el gran Ricardo Darín pero esta vez abandona la comedia dramática de Nueve Reinas para adentrarse de pleno en un thriller lleno de momentos buenos y bien narrado. El aura nos narra la historia de un hombre llamado Esteban (Darín), un taxidermista, de una inteligencia y una memoria fotográfica abrumadora, que está pasando una mala etapa y que padece de epilepsia, que es justamente a lo que hace referencia el título, a los momentos (segundos) anteriores a tener un ataque de epilepsia. Esteban tiene la inteligencia y capacidad de hacer lo que se llama el atraco perfecto, en el mínimo tiempo posible y sin bajas ni problemas, es una idea algo enfermiza que ronda por su cabeza desde hace un tiempo.

Todo comienza cuando Estevan emprende un viaje con un amigo suyo para cazar, a raíz de ahí se verá envuelto en una serie de circustancias y con el tiempo se dará cuenta de que el atraco perfecto es casi una utopía. Lógicamente no explico más porque llenaría el texto de spoilers y no es plan. Bielinsky realiza en mi opinión una muy buena película, con elementos interesantes, narrada estupendamente y con grandes dosis de suspense. Usando la epilepsia del personaje de forma inteligente y ofreciendonos un film lleno de matices y con personajes bastante bien dibujados.

Una película en la que acompañamos al personaje en su descubrimiento de la trama, así a la vez cerrando la historia, de forma fabulosa. Ricardo Darín ofrece ,como es costumbre en él, una buena actuación, recordémosle en Nueve Reinas o El hijo de la novia y El mismo amor la misma lluvía ambas de Campanella. En esta, su personaje es mucho más oscuro que en ambas, quizás no nos haga identificarnos emocionalmente tanto como en El hijo de la novia, donde estaba sublime, pero su rol en El aura es fantástico, un personaje complejo, entre lo depresivo y la genialidad. El aura es un thriller de personajes, con buenas actuaciones y una preciosa música. Argentina es un país que siempre ofrece historias interesantes en bastantes de sus películas. Nueve Reinas es insuperable, pero El aura es también una buena película. Suramérica en los últimos años lleva ofreciendo una serie de trabajos deslumbrantes, el cine argentino y sobretodo el méxicano están en absoluto auge.

Para empezar, os dejo este genial plano cenital de Sin City representando la cama con un corazón (amor verdadero, entre los personajes de Mickey Rourke y Jaime King) y la creciente amenaza (el personaje de Elijah Wood), combinando fabulosamente el B/N con el color y un uso de la luz más que interesante.

Takashi Miike, japonés y enfermo mental de nacimiento xD, es un director cuyos films o los amas o los odias, amante de la polémica, transgresor, cuyo cine se salta las barreras habidas y por haber y que es fiel a sus bizarras y a la vez enfermizas ideas. Un director que se ha convertido de culto para muchos tras los éxitos de cintas como Visitor Q, Izo, Three Extremes, Audition, la trilogía Dead or Alive o la misma Ichi the killer. Recalcar que One Missed Call (Llamada perdida), una película de poca calidad, es más un encargo que un proyecto propio, y lógicamente se nota. Ichi the killer es un film que explora terrenos que confunden placer con dolor, es decir, el film trata no solo del masoquismo y del "placer" por lesionarse o el disfrute de hacerlo a los demás, sino también nos habla de la manipulación, de la influencia, de sexo (ver como se tratan a las mujeres en el film), de las leyes yakuza, de que nada tiene sentido dentro de lo caótico. Un film sobre el miedo. El film es brutalmente violento, pero Miike sabiamente lo adorna con un aire constante de humor negro e incluso se ríe de sus propios personajes hiperboleizados hasta extremos justamente miikeanos xD. Nada más empezar la película (del semen se crean los títulos de crédito del film XD), podemos augurar qué estamos viendo o qué vamos a supuestamente ver y decidir si continuar su visionado (allá uds) o seguir asistiendo a este espéctaculo friki y ultraviolento. Sinceramente creo que Ichi the killer tiene calidad pero no sé si la suficiente como para haberse convertido en lo que sin duda es, un film un culto, pero tiene algo. Ese algo es su radicalidad, su inconformidad, que a pesar de su absoluta brutalidad siempre parezca que se trate de un chiste, con muy mal rollo, pero chiste (humor muy negro, claro). Su estilo cercano al anime pero en imagen real, basado en un cómic homónimo (Koroshiya 1), el tratamiento de la violencia es original y aunque parezca mentira, Ichi tiene bastante mensaje. La manera de presentar los personajes es formidable, mirar la presentación de Kakihara (Tadanobu Asano) con una toma desde atrás y con un solo giro del actor y una calada ya sabemos lo temible que debe ser,.. antológica escena y presentación. A ello ayudan las actuaciones que no son nada malas. Dentro de ellas destaca una por encima de todas, cuyo personaje se ha convertido en absoluto icono de la cinematografía contemporánea japonesa: Kakihara, interpretado brillantemente (como no) por el gran Tadanobu Asano. Un actor increíble, capaz de encarnar por ejemplo a un personaje tímido, retraído y suicida en potencia en Last life in the universe e interpretar a kakihara en Ichi the killer, un tipo chulo, seguro de sí mismo, totalmente enfermo y creedor de que el máximo placer es directamente proporcional al autosufrimiento. Asano es el film, sin su presencia y sin su actuación, Ichi the killer no sería ni la mitad de lo que es. Ver la parte final, durante el cara a cara entre Kakihara e Ichi, ahi podemos ver hasta donde llega la locura de su personaje, la extremidad absoluta, hasta donde llegan los límites... Kakihara espera poder dar con el asesino (Ichi) y que este no le defraude, desea que le sorprenda y le haga sufrir, es como una búsqueda en un entorno de una ya absoluta irracionalidad. Pero a banda de los litros de sangre que salen en la peli, de las torturas y palizas, de las amputaciones de lengua (xD), etc.... ¿Alguien se puede tomar en serio esta película? En fin, Ichi the killer es un film en mi opinión mejor de lo que puede aparentar, con un tratamiento del tema de la violencia innovador aunque en algunos tramos irregular y divaga en la 2a parte del film en reiteraciones insulsas, curioso por su forma de presentar algo ultraviolento pero con aire cómico-friki y que nos regala un personaje (Kakihara) totalmente carismático, llenísimo de matices, con una caracterización tanto vestuario como él mismo (piercings, cicatrices, etc...) absolutamente genial. Escenas memorables son la parte final, la lengua cayendo en el vaso, Kakihara sacando humo por sus "branquias" o al llegar a la habitación tras el anterior paso de Ichi, etc... No creo que sea fan de Takashi Miike, ya que sus films aún siendo interesantes y algunos buenos (vease Audition,... mucho más lynchiana de lo que aparenta), creo que recae demasiado en mostrar la violencia y muy explícitamente, aunque claro está todo ello con humor. Eso sí, este hombre es una autentica máquina de hacer cine, cada año rueda unas 6 o 7 películas en Japón, y ha tocado bastantes géneros. Sin duda, un director a seguir pero con ciertas manías que podrían ser mejorables. Sobre la película, dadle una oportunidad pero no os asustéis, tomarosla como un divertimento, pero os aviso que es durilla. "El amor daña"

Decir que este año ni mucho menos ha sido de los mejores, ha habido cintas de calidad pero también bastantes bodrietes, en fín haber en el 2006 qué tal, aprori promete.

Comento las otras que vi a continuación:

Sun-woo no es sólo el gerente de un hotel, también es la mano derecha de un mafioso local llamado Kang. El día que éste le ordena que vigile a su prometida, de la que sospecha pueda estar viéndose con otro hombre, su suerte cambiará fatídicamente. Enamorado en secreto de la chica, Sun-woo decide perdonar la vida de su amante aunque eso provocará las iras de su jefe, con consecuencias en extremo dolorosas. El éxito internacional de la fabulosa y exquisita técnicamente A tale of two sisters, presentada en el Sitges 2003, acerca ahora al director al cine negro con un cinta inspirada en la estética francesa de los 70 y de una crueldad que hiela la sangre. A Bittersweet life ha sido sin dudarlo una de las mejores películas que han pasado por esta edición de Sitges. Seleccionada ya en innumerables festivales internacionales, el film cuenta una historia de venganza pero lo que es más importante a parte del qué, es el cómo lo hace. Esa elegancia que poseen sus imagenes, uniendo poética con violencia, mostrandonos el camino de un hombre hacia su propia muerte pero afrontada desde un inicio y todo ello por amor y por orgullo. Un film de una fuerza visual inaudita, que nos narra una historia llena de mensaje, con pasajes que ahonda en la filosfía de la vida, sus actos o simplemente que del caos de la vida en si. El film coreano sin dudarlo, para todo buen cinéfilo que se precie, es una absoluto espectáculo orgásmico, dos horas llenas de momentos a recordar, de escenas memorables, de planificación espectacular y de una acción rodada de forma ejemplar y contundente a la vez. Sin duda, Kim Jee-Woon y tras ya mostrarnos su dotes realizadores en la notable, técnicamente casi perfecta e infravalorada A tale of two sisters, en A Bittersweet life nos ofrece un impagable homenaje al cine noir, tanto hongkonés, americano o al polar francés y el resultado es absolutamente satisfactorio. Las actuaciones son buenas, en el caso del protagonista (Lee Byeong-heon), visto en Three Extremes, es soberbia y muy destacable perfomance. Ver las escenas del final de venganza o esa escena del "duelo" cargando las pistolas rusas... antológico. El final del film si le borramos ese corto epílogo, tenemos un final de esos que se recuerdan por su magnificencia y su absoluta sobriedad. Veo A Bittersweet life y estoy viendo a Wong Kar-Wai y su excelente corto para la BMW The Follow interpretado por Clive Owen, a Hitchcock y su obra maestra Vértigo (el inicio es innegable las similitudes y por tanto el homenaje), a John Woo y sus films de antaño (The killer, Hard Boiled, etc...) por los extraordinarios tiroteos que se suceden en el film magníficamente montados por cierto, el del final nos recuerda a Brian De Palma y su Scarface, o a cintas de Michael Mann o Johnnie To donde abundan los tiroteos, a cintas del polar francés como puede ser Le Samuräi de Jean-Pierre Melville, a películas de venganza como pueden ser OldBoy o Sympathy for Mr Vengeance ambas de Park Chan-Wook, etc... Elegancia, sobriedad, violencia artística, fotografía cuidada, BSO fabulosa,... en fin, Corea del Sur es el país del mundo en donde se hace el mejor cine a nivel mundial y es clarísimo. Una absoluta joya de película, NO SE LA PIERDAN.

Alain, un joven y brillante ingeniero y Benedicte, su esposa, se trasladan a una nueva residencia más cercana a su nuevo empleo. Una velada desastrosa junto a sus nuevos jefes y el descubrimiento de un misterioso roedor muerto en el desagüe marcarán el comienzo de un particular descenso a los infiernos. Película elegida para inaugurar la reciente edición del festival de Cannes, el nuevo trabajo del tándem Moll-Marchand (Harry, un amigo que os quiere) se adentra en el fantastique con un historia dotada de una atmósfera de pesadilla y favorecida por unas estupendas interpretaciones. Película muy muy irregular de Dominik Moll, inferior a la estupenda Harry un amigo que os quiere recordad con un fabuloso Sergi López que le valió para ganar el César al mejor actor. El inicio es prometedor, con pinceladas cómicas pero de fondo con aire de mal rollo. Poco a poco va diluyendose la cinta hasta entrar en terrenos en donde el hastío puede vencer a los espectadores. Contiene tramos conseguidos y a ello ayuda mucho las interpretaciones que algunas son convincentes (Laurent Lucas, Charlotte Gainsbourg), otras fantásticas (Charlotte Rampling) y otras simplemente desaprovechadas (el gran André Dussollier). En el fondo, es una pelicula cuyo resultado se mueve entre las aguas de lo fallido y lo poco convincente, creo que la narración no es sólida, no sorprende demasiado, aunque tampoco es mala, en fin,... es una pelicula que podía haber sido muchísimo más de lo que es a la fin. Como cosa destacable, Dominik Moll vuelve a apostar por el terror digamoslo urbano, suspense en pocas localizaciones, con pocos personajes, con dualidad de personajes, muy influenciado por Hitchcock en temas como el falso culpable, dualidad de personajes, McGuffin etc... No es de lo mejor del festival ni mucho menos. Dejemoslo en pasable, siendo bondadosos claro XD.

La gran ganadora de la edición de este año ha sido HARD CANDY, de David Slade (Estados Unidos) que ha recibido los galardones a la Mejor Película y al Mejor Guión. Un año después Johnnie To ha vuelto a llevarse la María al Mejor Director por su último film ELECTION.

Hard Candy

A continuación encontraréis el palmarés completo. OFICIAL FANTÀSTIC JURAT / JURADO / JURY Blanca Li, Bill Plympton, Nieve de Medina, Elvis Mitchell i Àngel Quintana Millor Curtmetratge / Mejor Cortometraje / Best Short Film RESPIRE, de Wi Ding Ho (Taiwan) Millor Direcció Artística / Mejor Dirección Artística / Best Art Direction Dave McKean per MIRRORMASK Millors Efectes de Maquillatge / Mejores Efectos de Maquillaje / Best Make Up FX Jamie Niman per MIRRORMASK Millors Efectes Especials / Mejores Efectos Especiales / Best Special Effects Thomas Mulack per THE PIANO TUNER OF EARTHQUAKES Millor Banda Sonora Original / Mejor Banda Sonora Original / Best Original Soundtrack Dalpalan i Jang Yeong-gyu per A BITTERSWEET LIFE Millor Fotografia / Mejor Fotografía / Best Cinematography Keung Kwok Man per SEVEN SWORDS Millor Guió / Mejor Guión / Best Script Brian Nelson per HARD CANDY Millor Actriu / Mejor Actriz / Best Actress Lee Yeong-ae per SYMPATHY FOR LADY VENGEANCE Millor / Mejor / Best Actor Lee Kang-sheng per EL SABOR DE LA SANDÍA (THE WAYWARD CLOUD) Millor Director / Mejor Director / Best Director Johnnie To per ELECTION Premi Especial del Jurat / Premio Especial del Jurado / Special Jury Award EL SABOR DE LA SANDIA (THE WAYWARD CLOUD), de Tsai Ming-liang (Taiwan) Pel seu agosarat discurs estètic i moral en contra de l’alienació sexual / Por su atrevido discurso estético y moral en contra de la alineación sexual / For it’s bold aesthetic and moral discourse against sexual alienation Millor Pel·lícula /Mejor Película / Best Motion Picture HARD CANDY, de David Slade (Estats Units) JURAT CARNET JOVE / JURADO CARNET JOVE / CARNET JOVE JURY Manuel Yáñez, Salvador Solano, Albert Forns, Gonzalo López i Francisco Javier Rueda FANTÀSTIC ELECTION, de Johnnie To (Hong Kong) MIDNIGHT X-TREME THE DARK HOURS, de Paul Fox (Canadà) Menció especial a THE WILD BLUE YONDER, de Werner Herzog (Estats Units) per l’excepcional interpretació de Brad Dourif / Mención especial a THE WILD BLUE YONDER, de Werner Herzog (Estados Unidos) por la excepcional interpretación de Brad Dourif / Special Mention to THE WILD BLUE YONDER, by Werner Herzog (USA), for Brad Dourif’s exceptional interpretation. NOVES VISIONS JURAT / JURADO / JURY Antonio Santamarina, Carles Torres i Ezgi Yalynalp THE GIRL FROM MONDAY, de Hal Hartley (Estats Units). Menció especial a GRIZZLY MAN, de Werner Herzog (Estats Units) ja que els members del jurat encara estan discutint si el que relata és vertader o fals / Mención especial a GRIZZLY MAN, de Werner Herzog (Estados Unidos) ya que los miembros del jurado aún están discutiendo si lo que se relata es verdadero o falso / Special Mention to GRIZZLY MAN (USA), by Werner Herzog, because the members of the jury are still arguing over whether it’s a true story or not. ORIENT EXPRESS - CASA ÀSIA JURAT / JURADO / JURY Antonio Santamarina, Carles Torres i Ezgi Yalynalp ANTARCTIC JOURNAL, de Yim Phil-sung (Corea del Sud). ANIMAT – Premi Gertie / Premio Gertie / Gertie Award JURAT / JURADO / JURY José Luis de Vicente, Enric Martí i Álex Samaranch Millor Llargmetratge d’Animació / Mejor Largometraje de Animación / Best Animated Film THE DISTRICT, de Áron Gauder (Hungria) Millor Curtmetratge d’Animació / Mejor Cortometraje de Animación / Best Animated Short film CIRKUS de Thomas Pors (Dinamarca) BRIGADOON (PATROCINAT PER EDITORIAL DEVIR) JURAT / JURADO / JURY Eugenio Mira, Luis Royo i Sergio Molina Millor curtmetratge / Mejor cortometraje / Best short film GRAVELESS, de Christian Ray MÉLIÈS D’ARGENT / MÉLIÈS DE PLATA / SILVER MÉLIÈS JURAT / JURADO / JURY Kiko Amat, Christian Molina i Jordi Burgués Méliès d’Argent a la Millor Pel.lícula Fantàstic Europea / Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea / Silver Méliès for Best European Motion Picture TROUBLE, de Harry Cleven (França-Bèlgica) Curtmetratge Fantàstic Europeu nominat al premi Méliès d’Or / Cortometraje Europeo nominado al premio Méliès de Oro / Short Film nominee for Silver Méliès Award CITY PARADISE, de Gäelle Denis ALTRES PREMIS / OTROS PREMIOS / OTHER AWARDS Gran Premi per votació popular a la millor pel·lícula / Gran Premio del público a la mejor película / Audience Award for Best Motion Picture (Patrocinat per El Periódico) HARD CANDY, de David Slade (Estats Units) Premi Nova Autoria / Premio Nova Autoria / Nova Autoria Award (Patrocinat per l’SGAE) Millor direccció La última Polaroid, de Mar Coll (curtmetratge, ESCAC) Millor guió Sin Piedras, (documental, Universitat Ramon Llull) Direcció i guió: Quim Fuster, Pau Iriarte Millor música 14 apóstoles, de Maialen Sarasúa. (Documental. Universitat Pompeu Fabra) Autor de la música: Oier Sarasúa Premi de la Critica Jose Luis Guarner / Premio de la Crítica Jose Luis Guarner / Jose Luis Guarner Critic Award EL SABOR DE LA SANDIA (THE WAYWARD CLOUD), de Tsai Ming-liang (Taiwan) Premi Citizen Kane al director/a revelació / Premio Citizen Kane al director/a revelación / Citizen Kane Award to an up-and-coming director LA MOUSTACHE, de Emmanuel Carrère (França). Menció especial a ZULO, de Carlos Martín Ferrera (Espanya) pel seu agosarat tractament d’un tema candent que pot succeïr-li a qualsevol ciutadà / Mención especial a ZULO, de Carlos Martín Ferrera (España) por su atrevido tratamiento de un tema candente que puede suceder a cualquier ciudadano / Special Mention to ZULO, by Carlos Martín Ferrera (Spain), for his bold treatment of a controversial subject that could happen to anyone. Saludos